Our best wishes for a joyful holiday and a peaceful New Year

Type 42 (Anonymous), Connie Stevens, 1960s-1970s, mixed media on polaroid, Courtesy Delmes & Zander, Berlin/ Cologne

Merry Christmas and Happy New Year!

EVIDENCE OF ECSTASY /// OPENING at Galerie Susanne Zander, Cologne

Francesco Ponte, photo album, 1920s, photography and mixed media on cardboard, Courtesy Delmes & Zander, Berlin / Cologne

 Galerie Susanne Zander I Cologne presents in collaboration with Vosberg:

EVIDENCE OF ECSTASY

Laying on of Hands, Francesco Ponte, Ted Serios

November 27, 2015 – January 22, 2016

Opening: Friday, 27.11., 6–9 pm

After attracting considerable attention at Delmes & Zander in Berlin, the exhibition Evidence of Ecstasy is now brought to the Cologne. The exhibition offers a look into spiritual performance and its artistic documentation. Ecstatic states are captured on photography and film, as are out-of-body experiences and states of trance.

In the occult circles en vogue in the mid-19th to early 20th century, photography played an important role. So-called spirit photography strove to make the invisible and inconceivable visible. This was the case with the work of Francesco Ponte: In the 1920s, the Puerto Rican dentist created a unique album of spirit photographs. During a series of séances his medium Carmen Wey, a housekeeper, was seated in a cabinet behind closed curtains. When the curtains opened, impressions of invisible ghost 

hands and feet became visible. Ponte cast and subsequently photographed these impressions. His pictures are reminiscent of the surrealist photographs by Hans Bellmer or Jean Fautrier. Others show ectoplasm, in spiritualist circles considered the substance of choice for the manifestation of spirits. Ponte ornamented the 25-page photo album carefully by hand. His album was meant to move his children to continue their “Papi's” spiritualist legacy. The result is a rare and touching testimony of spiritualist photography.

A limited edition of Francesco Ponte's photo album will be released for the opening by Mörel Books in November 2015.

Laying on of Hands, untitled, 1960's, Vintage Print, 9 x 9 cm, Courtesy Delmes & Zander, Berlin / Cologne

The impressive collection of anonymous photographs Laying on of Hands, dating back to the 1960s, documents the ecstatic states of an African-American community: Children and adults are photographed in trance, some lying on the floor, many with their hands in the air, others with closed eyes. The participants lay hands on one another, perhaps as a gesture of spiritual healing. The photographs' perspective transports the euphoric mood. Unlike the work of Francesco Ponte, the photographs of Laying on of Hands do not serve as evidence of the spiritual, but rather as documentation.The expressive body serves as testimony to the metaphysical process.

But as much as the photographs reveal, at the same time they veil, intrigue, pose questions, and remain testimonials of a mysterious reality. As in the photographs and the film, the bodies themselves function as a medium, becoming open to the Other in their state of trance and embodying the absent. In the last decades much attention has been paid to the phenomenon of spiritual art. The comprehensive exhibition The Perfect Medium: Photography and the Occult at the Metropolitan Museum of Art, New York (2005) for example, testifies to this as much as the exhibition In the Realm of Phantoms: Photography of the Invisible curated by Andreas Fischer and Veit Loers at Museum Abteiberg, Möchengladbach (1997-1998).

In the mid-1960s, Ted Serios (1918–2006) demonstrated hauntingly his ability to mentally will images [so-called “thoughtotographs”] onto photographic film before the running film camera. During sessions of intense physical and mental concentration he was able to produce a variety of images onto celluloid. His powerful performances challenge the evidentiary value of film.

A documentary film on Ted Serios' performances is part of the exhibition Evidence of Ecstasy and will be shown at the newly opened space Vosberg (Roonstr. 108, 50674 Cologne, Wednesday through Saturday from 1 – 6 pm, www.vosberg.cologne). This film is shown with kind permission of the Institut für Grenzgebiete der Psychologie und Psychohygiene e. V. in Freiburg im Breisgau.

HORST ADEMEIT featured in "BIG BANG DATA" at Somerset House, London

Horst Ademeit, untitled 13.4.1993, inscribed polaroid, 11 x 9 cm, Copyright Delmes & Zander, Berlin / Cologne

HORST ADEMEIT featured in 

"BIG BANG DATA"

at Somerset House, London

03 Dec 2015 - 28 Feb 2016

"Emails, selfies, shopping transactions, Google searches, dating profiles: every day we’re producing data in huge quantities. Our online activity, alongside that of businesses and governments, has led to a massive explosion – a ‘Big Bang’ – of data.

This radical shift in the volume, variety and speed of data being produced, combined with new techniques for storage, access, and analysis, is what defines the proliferation of data. It is radically reshaping our world and is set to revolutionise everything we do.

Data today gives us new ways of doing things: from scientific research to business strategy, politics to social interaction, our new data-driven society that has the potential to be more fair, stable, and efficient and yet it also created a tools for unprecedented mass surveillance and commodification. Data access and usage rights, along with the value they comprise, are at the heart of many concerns.

Big Bang Data explores the issues surrounding the datafication of our world through the work of artists, designers, journalists and visionaries. As the data explosion accelerates, we ask if we really understand our relationship with data, and explore the meaning and implications of data for our future."

Read more HERE

www.somersethouse.org.uk

Independent New York Announces Exhibitors for March 2016

Photo: Evan Joseph / Courtesy: Spring Studios New York

The exhibitor's list for the INDEPENDENT NEW YORK
(March 3 - 6, 2016) is out and we are on it!

Participants:

Mitchell Algus Gallery, New York — The Approach, London — Artists Space, New York — The Box, Los Angeles — Gavin Brown’s enterprise, New York/Rome — Bureau, New York — CANADA, New York — Chapter NY, New York — C L E A R I N G, New York/Brussels — Paula Cooper Gallery, New York — Elizabeth Dee, New York — Thomas Erben Gallery, New York — Fleisher/Ollman Gallery, Philadelphia — Garth Greenan Gallery, New York — gb agency, Paris — Jay Gorney / Derek Eller Gallery, New York — Herald St, London — Hannah Hoffman, Los Angeles — JTT, New York —Karma, New York — Anton Kern Gallery, New York — David Kordansky, Los Angeles —Maccarone, New York — Martos Gallery, New York/Los Angeles — Mendes Wood DM, São Paulo —Mitchell-Innes & Nash, New York — The Modern Institute, Glasgow — Galerie Nagel Draxler, Cologne/Berlin — Neue Alte Brücke, Frankfurt — Office Baroque, Brussels — Maureen Paley, London — Parra & Romero, Madrid/Ibiza — Peres Projects, Berlin — Project Native Informant, London — Silberkuppe, Berlin — Société, Berlin — Stuart Shave/Modern Art, London — Kerry Schuss, New York — Tilton Gallery, New York — Venus Over Manhattan, New York/Los Angeles —VI, VII, Oslo — White Columns, New York — Susanne Zander/Delmes & Zander, Cologne


MARCH 3 — 6, 2016
Spring Studios
50 Varick Street
New York, NY 10013

www.independentnewyork.com

Der Schatten der Avantgarde. Rousseau und die vergessenen Meister /// Museum Folkwang, Essen

André Bauchant, Portrait d'André Bauchant par lui-même, 1938
Sammlung Zander
© VG Bild-Kunst, Bonn 2015

Der Schatten der Avantgarde 

Rousseau und die vergessenen Meister

2. Okt. 2015 – 10. Januar 2016

 

Ein Schatten begleitet die Avantgarden des 20. Jahrhunderts. Dieser Schatten sind die künstlerischen Autodidakten.*

"Sie sind Künstler und Künstlerinnen ohne akademische Ausbildung und zumeist ohne Zugang zu den hergebrachten und sich neu formierenden Verbreitungswegen. Ihre Werke jedoch sind in ihrem künstlerischen Anspruch, in ihrem ästhetischen Reichtum und ihrer unmittelbaren Intensität auf Augenhöhe mit den besten Künstlern des 20. Jahrhunderts. Diese ließen sich von ihren Werken in nicht zu unterschätzender Weise inspirieren, zollten ihnen hohen Respekt oder förderten sie zuweilen sogar. Die Ausstellung stellt 13 von ihnen mit zu kleinen Retrospektiven verdichteten Präsentationen von Hauptwerken vor und entfaltet damit ein Kaleidoskop unterschiedlichster Formen künstlerischer Kreativität.

Dschungel-Bilder und Portraits von Henri Rousseau wurden immer im Zusammenhang mit der Entwicklung der Moderne gesehen und in Ausstellungen wie in Sammlungspräsentationen selbstverständlich inmitten der Werke moderner Meister gezeigt. Anders die beunruhigenden, mit apokalyptischer Ikonografie aufgeladenen Blumenbilder von Séraphine Louis: Waren sie auf der Documenta von 1955 noch vertreten, sind sie heute erst wieder neu zu entdecken. Für die großformatigen Historienbilder von André Bauchant begeisterten sich Künstler wie Le Corbusier und Ozenfant. In ihrer Sprödigkeit erinnern sie an Fresken des Quattrocento. Die Akte und Tierdarstellungen von Morris Hirshfield sind in ihrer Textur kleinteilig wie Mosaiken und waren hoch geschätzt bei den Surrealisten.

Den Werkgruppen dieser Künstler sind Schlüsselwerke aus Moderne und Gegenwartskunst von Honoré Daumier über Paul Gauguin, Paula Modersohn-Becker, Fernand Léger und Pablo Picasso bis Blinky Palermo und Mike Kelley zur Seite gestellt. In der Gegenüberstellung werden Dimensionen dieser Werkkomplexe erschlossen, die das Spektrum der Kunst des 20. Jahrhunderts wesentlich vertieft haben. Es geht dabei darum, ein Phänomen aufzuspüren, das vergleichbar ist mit der Wirkungsgeschichte des Blues und Jazz in der Musik des 20. Jahrhunderts (...).

*Der Titel „Der Schatten der Avantgarde“ stammt von Veit Loers.

Weitere Informationen zur Ausstellung finden Sie hier.
www. museum-folkwang.de

Museum Folkwang
Museumsplatz 1
45128 Essen

MORTON BARTLETT "Family Planning: early photographs and archival material" at Julie Saul Gallery (NY)

Morton Bartlett, untitled, ca. 1950, 13 x 10 cm, Courtesy Delmes & Zander, Berlin / Cologne

MORTON BARTLETT

"Family Planning. Early Photographs & Archival Material"

at Julie Saul Gallery (NY)
through December 23, 2015

"The Julie Saul Gallery is pleased to announce our second exhibition of photographic works and related materials by Morton Bartlett (1909-1992). Since Bartlett’s work was first shown here in 2007, his photographs and mannequin sculptures have been widely exhibited. As their appearance in Massimiliano Gioni’s 2013 Venice Biennale demonstrated, their unique aura and superb craft have elevated them beyond the context of “self-trained” or “outsider” art. Bartlett was a master craftsman whose extensive knowledge of decorative techniques is demonstrated in the articles he wrote as the editor of the 1950s home-craft magazines, Bench & Brush and Decorator’s Letter from Home. He is known primarily for sculptures and photographs of dolls he created between 1935 and 1950 that were not discovered until the early 1990s. As he was beginning to create the sculptures, he worked as a child photographer. His portrait and study photographs give new insight into the development of his sculptural style. This exhibition aims to cast Bartlett’s life and art in a fresh light by bringing these never-before exhibited photographs of children from the mid-1930s together with the color and black and white photographs of the dolls (...)"

Please find further information here

www.saulgallery.com

MIROSLAV TICHY Opening 6 pm on Friday, November 6, 2015 at Delmes & Zander I Berlin

Miroslav Tichý

Drawings & Photographs
November 6, 2015 – January 16, 2016

Opening: Friday, 06.11., 6–9 pm

Miroslav Tichý went outdoors with his self-made cameras every day, capturing images of as many women as he could. To photograph a hundred women per day – this was the ultimate goal of the Czech artist, born 1926. In his quests, especially those in the 1980s and 1990s, he took innumerable voyeuristic photographs. The images of the women shot are blurred and generally out of focus.

The photographs show women walking in the street, sitting on park benches, at the swimming pool, always with a clear focus on breasts, legs, and behinds. A similar fondness is found in Tichý’s drawings, which he considered his primary artworks; although lesser known, they testify to the artistic stringency of the Czech artist.

Miroslav Tichy, untitled, undated (approx. 1960-70s), mixed media on paper, various formats

Courtesy Galerie Susanne Zander / Delmes & Zander (Cologne & Berlin)

The current exhibition allows for a possible and direct comparison between Tichý’s photographic works and his drawings, which show a similar eroticism, an appreciation of voluptuousness, common composition, the esthetic of imperfection, and a clear focus on women, the eternal object of his desires. As in his photographs, Tichý often leaves the faces of his women blank or obscured in his drawings, the focus of the image being of anatomical nature, such as his focus on constrained waists contrasted with ample hips.
 

After his education at the Academy of Arts Prague, Tichý began a promising career in the late 1940s as a rising avant-garde painter and draftsman. Because of the totalitarian doctrine of socialism, he ended up more and more in isolation, frequently imprisoned and even spending time in a psychiatric ward. He turns increasingly to photography. He maintained his radical anti-stance against the establishment even after the fall of the “Iron Curtain”.
 

Miroslav Tichy, untitled, undated (approx. 1980-90s), mixed media on photograph, 23.2 x 18.9 cm

Courtesy Galerie Susanne Zander / Delmes & Zander (Cologne & Berlin)

Miroslav Tichý’s works are represented in renowned collections worldwide such as the MMK – Museum for Modern Art, Frankfurt/ Main; the Centre Georges Pompidou, Paris; the F.C. Gundlach Collection at the Haus der Photographie Deichtorhallen, Hamburg, the Collection Antoine de Galbert, Paris, and the Treger Saint Silvestre Collection, Porto.

Miroslav Tichy

Drawings & Photography

November 6, 2015 -  January 16, 2016

Delmes & Zander I Berlin

Rosa-Luxemburg-Str. 37, 10178 Berlin

Margret at MD, Cologne

Margret at MD

till 4th November, 2015
Marsilstein 21-23, Cologne
Di - Sa from 6pm
http://md-cologne.blogspot.de/

MIROSLAV TICHY /// Museum Dr. Guislain, Ghent

Miroslav Tichy, untitled, undated, mixed media on photography, Courtesy Delmes & Zander, Berlin / Cologne

"Shame" at Museum Dr. Guislain, 31 Oct 2015 - 29 May 2016

MIROSLAV TICHY featured in the exhibition 
"SHAME" at Museum Dr Guislain
31.10.15 - 29.05.16

"That which we wish to keep hidden, becomes visible. That of which we do not wish to talk, becomes public. From taboo to embarrassment, from primness to awkwardness, from blushing to guilty pleasures: this exhibition sheds light on shame, a feeling which is difficult to grasp, yet omnipresent. It catches us by surprise, at the least expected moments and for the most diverse reasons: when we say something unseemly in public, or because of the smaller or larger imperfections of the body. But we also feel shame about poverty or psychological problems. Whether we want this or not, shame has an influence on everything we do.

Just like the reasons for being ashamed differ, shame also differs according to a person’s character, the times in which people live and the place they find themselves in. Shame is a personal as well as a social phenomenon: each person, but also each culture, deals with it in a different way. The exhibition Shame explores this field along different lines: by means of objects from other cultures, historical psychiatric documents or actual witnesses. Modern and contemporary artists represent this feeling in paintings, sculptures, photographs and video.

A richly illustrated catalogue accompanies this exhibition (D/F/E, 176 p., Uitgeverij Lannoo).

Chantal Akerman, Francis Alÿs, Alioune Bâ, Sarah Baker, Michael Borremans, Claude Cahun, Tom Callemin, Robert Capa, Roy de Villevoye, Jim Dine, Desiree Dolron, Marcel Duchamp, Tracey Emin, Gao Brothers, Marc Garanger, Siebe Wiemer Glastra, George Grosz, Seymour Jacobs, Gert Jochems, Nicolas Karakatsanis, Willy Kessels, Meiro Koizumi, Frans Masereel, Paul McCarthy, Boris Mikhailov, George Minne, Lauren Moffatt, Hans Op de Beeck, Pablo Picasso, Auguste Rodin, Félicien Rops, Tammo Schuringa, Jan Sluijters, Miroslav Tichý, Patrick Van Caeckenbergh, Philippe Vandenberg, Jan Van Imschoot, Ina van Zyl…"

For further infomation click HERE

www.museumdrguislain.be

"Margret - Chronik einer Affäre" Exhibition in Cologne - EXTENDED

Margret, 1970/09/15, Vintage print, 13 x 9 cm, Courtesy Delmes & Zander, Berlin / Cologne

The exhibition "Margret - Chronik einer Affäre" has been extended. The new closing date is 20th November 2015.

We look forward to your visit!

Galerie Susanne Zander / Delmes & Zander
Antwerpener Str.1
D-50672 Cologne

www.galerie-zander.de

OPENING BERLIN- DELMES & ZANDER: Evidence of Ecstasy- Laying on of Hands, Francesco Ponte, Ted Serios

Laying on of Hands, untitled, approx. 1960's, vintage print, 9 x 9 cm

                                        

Opening: Wednesday, 09.16., 6–9 pm

The exhibition “Evidence of Ecstasy” examines views on spiritual performances and their artistic documentation. Ecstatic states are described both photographically and cinematographically. The issues addressed, concern observations on the states of spinning out of control, ecstasy, and trance.

In the mid-1960s, American Ted Serios (1918–2006) demonstrated powerfully before the film camera his ability to mentally will images [so-called “thoughtphotographs”] onto photographic film. During phases of intense physical and mental concentration he was able to achieve the depiction of a variety of images, among them a Neanderthal, on film. His powerful performance proves the probative value of film.

Film and photography as analog media befit a particular probative value because they visualize the traces of the real, of something that is actually there – so was the consensus until the onset of digitization.

In spiritualism, in vogue from the mid-19^th to the 20^th century, photography played a specific role. Spirit photography strove to make the invisible and inconceivable visible; this being the approach of Francesco Ponte: In the 1920s, the Puerto Rican dentist created a unique album of spiritualist photographs. During the séances his medium, Carmen Wey, a housekeeper, was seated behind a curtain. When the curtain opened, impressions of invisible spirit-hands, -feet, and -limbs became visible, which Ponte cast and subsequently photographed. These photographs are reminiscent of the surreal photographs by Hans Bellmer or Jean Frautrier. Others show ectoplasm, a white viscous, liquid substance, which exudes from the bodily orifices and in spiritualist circles, is considered a medium for the manifestation of spirits. Characteristic is a primarily celebratory solemn mood. Ponte has decorated the 25-page album carefully by hand – the result is a rare and fascinating testimony of spiritualist photography.

The impressive photographs of the anonymous collection Laying on of Hands, originating from the 1960s, document the ecstatic states of an entire African-American community: Children and adults are photographed in a state of ecstasy, some lying on the floor, many lifting their hands, others with closed eyes. The participants lay hands on each other, perhaps as a gesture of healing. The perspective of the photographs leads right into the heart of the unknown ceremony, intensively transporting the enthusiastic mood, the music in the space can almost be heard, the dancers’ sweat almost smelled – at the same time everything remains strange and eerie.

Unlike the works of Ted Serios and Francesco Ponte, the photographs of Laying on of Hands do not serve as evidence of the spiritual, but rather as documents of states of ecstasy, of being out of control. The expressive body itself is the evidence of the metaphysical process.

All photographs have one thing in common: They show states of trance. But as much as they reveal, at the same time they disguise, intrigue, pose questions, and eventually remain unreal proof of a mysterious reality. Here as in photography and film the photographed bodies function as media, in the state of trance becoming transparent for the Other, the actual which is absent.

In the last decades much attention has been given to the phenomenon of spiritual art. The great exhibition “The Perfect Medium: Photography and the Occult” at the Metropolitan Museum of Art, New York (2005) for example testifies to this as much as the exhibition “In the Realm of Phantoms: Photography of the Invisible” curated by Andreas Fischer and Veit Loers at Museum Abteiberg, Möchengladbach (1997-1998).

The film by Ted Serios will be presented with the generous support of the Institut für Grenzgebiete der Psychologie und Psychohygiene e. V. in Freiburg im Breisgau. 

Delmes & Zander Berlin
Rosa- Luxemburg- Straße 37
10178 Berlin

 

FOMA JAREMTSCHUK - OPENING FRIDAY 7 PM, SEPTEMBER 4TH, 2015 AT JAN KAPS

Das Zelt ist gut und warm, alles ist so bequem, so gemütlich, so affengeil ist hier verdammt noch
mal alles eingerichtet.
Im Zelt ist es warm, sogar der Arsch ist ganz bis zum Rücken in Schweiß gebadet, und hinter den
Ohren ist es ein bisschen nass.
Ich bin so ermüdet, dass es scheint, als sei der Knopf angeschwollen und würde sich kloßartig
auflegen und kleine Knöpfe aus ihm heraus wachsen lassen. Sie werden dick und legen sich auch
auf die Kehle, es drückt, die Luft bleibt weg und alles schwillt auf.
Und alle Geräusche schwellen an wie die Knöpfe und blähen sich auf. Alles schwillt an und man
möchte nichts anfassen, einem ist übel und es zieht einem zum Kotzen.
Im Kopf schwillt ein brauner Knopf mit vier Löchern an.
Der Zahn tut weh, ich kann nichts knabbern, einer ist zersplittert, und in drei anderen sind die
Nerven abgestorben und der Arzt hat gesagt, du musst 15 Zähne heilen lassen.
Ich werde total wahnsinnig. So viele Zähne muss man heilen, aber es bleibt einem ja nichts
anderes übrig. Die Zähne tun weh.
Und alle kriechen mir in den Hals, um die 15 Zähne anzuschauen, die man heilen wird.
Ich bin draußen spazieren gegangen und habe Kätzchen getroffen und wollte sie streicheln.
Ihnen sind die Köpfe abgefallen und sie sind mir hinterher gerannt, und ich bin weg gerannt und
wusste nicht, wo ich mich vor diesen Köpfen verstecken soll, und sie schrien und gingen vorbei
und schauten mir in die Augen und ihnen wuchsen Pfötchen, und ich habe es nicht sofort
bemerkt, ich dachte, das seien ganze Kätzchen und nicht nur Köpfe.
Und die Körper blieben auf der Straße, um zu laufen. Ich möchte sie füttern.
Vöglein mit vier Flügeln kamen angeflogen und haben uns angefallen und wir konnten nichts
machen und alles deshalb, weil die Tauben vor dem Krieg erschossen wurden, so sind sie aus
schwarzen Lappen geboren worden. Die Vöglein haben alle angegriffen und uns zerpickt, aber man
darf nicht schreien, sonst wird es weh tun.
Und mir hat keiner geglaubt. Sie haben gesagt, du bist ein Schwätzer und sagst verdammt noch
mal nicht die Wahrheit. Und da, wo auf den Balkonen eine Wäscheleine...




Bildmaterial und weitere Informationen auf Anfrage.

JAN KAPS

JÜLICHER STRASSE 24A 
INFO@JAN-KAPS.COM
50674 COLOGNE 
TEL +49 (0)221 82820212

OPENING COLOGNE //DC OPEN 2015// Galerie Susanne Zander I Cologne shows: Günter K. Margret – Chronicle of an Affaire

Günter K., Untitled, 1970/08/21–1970/08/31, 1970, Vintage Print, 13 x 9 cm

Opening:

Friday, September 4, 6–8 pm

For one and a half years, Günter K. and his secretary Margret S. had a passionate affair. The 39-year-old businessman from Cologne meticulously documented their secret love story, which occurred between May of 1969 and December 1970. After his death, photographs, predominantly typewritten notes, and souvenirs of their joint activities were discovered in a suitcase during the liquidation of his apartment.

The collection consists of hundreds of esthetically high-quality photographs, many are in black and white, but most are in color. Margret who was 24 years old at the time, is the exclusive subject of these photographs: she is shown typing at her desk, on trips in tranquil and sometimes formal settings, in hotel rooms changing, dressing, or undressing, on beds, applying her makeup. In addition to this photographic documentation, a variety of personal ephemera was archived. These include samples of Margret’s head and pubic hair, her fingernail clippings, empty contraceptive pill packaging, a scab with some dried blood fragments from her wrist? Hotel and restaurant receipts in addition to various tickets reveal places visited and the preferences and interests of the couple. The personal notes or diary entries by Günter K., mostly typewritten, resemble official protocols. The primary focus of all of the records, concerns the sexual act, the details of which are recorded and described in a thoroughly businesslike manner; the details include, frequency of occurrence, the position adopted, and even the precise duration of the act.

On one hand, the recordings and documents offer detailed insight into the relationship between Günter and Margret, for example they reveal that both were married, that Günter also has relationships with other women and that Margret’s husband can resume sexual activity after only 15 minutes. On the other hand, the protagonists remain vague and the story fragmentary – in fact the documents pose more questions than they answer. Why does Margret get pregnant although she takes the pill? Has Günter K. also documented his other affairs as obsessively? To what degree are Günter’s observations factual, and how would Margret’s version compare? And ultimately, why does the relationship end? What do the photographs taken in the final months of the relationship reveal? Evidently, the passion has subsided. In the final images, Margret barely smiles and on December 17, 1970, the documentation ceases. The final images do show indications regarding cultural changes inasmuch as a new freedom especially in regard to clothing is mixed with Gelsenkirchen Baroque, apron dresses and Margret’s backcombed hair.

In its conceptual consequence and its narrative character the collection is reminiscent of the works of Sophie Calle and Hans-Peter Feldmann. Typical of the work of all three artists is the mutual reflection between the viewer’s voyeuristic perspective and that of the artist. The viewer’s curiosity is intensified by Günter K’s obsessiveness, which is as fascinating as it is oppressive.

The complete collection was on display at the KW Institute for Contemporary Art, Berlin (2013) and the Kunstraum Innsbruck (2012) and was also shown earlier this year at the White Columns Gallery in New York. Parallel to the Cologne exhibition, the photographs, which Günter K., printed several times, will be shown at the abc berlin art contemporary, Berlin from September 17 through 20, 2015.

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Anderthalb Jahre hatten der Geschäftsmann Günter K. und seine Sekretärin Margret S. eine leidenschaftliche Affäre. Der 39-Jähriger Kölner hat die heimliche Liebesgeschichte zwischen Mai 1969 und Dezember 1970 akribisch dokumentiert. Davon zeugen Fotografien, schriftliche Aufzeichnungen und Souvernirs der gemeinsamen Aktivitäten, die bei der Wohnungsauflösung des verstorbenen Unternehmers in einem Koffer gefunden wurden.

Das Konvolut besteht aus Hunderten von Fotografien von ästhetischer hoher Qualität, einige in Schwarzweiß, die meisten in Farbe. Abgebildet ist immer wieder die damals etwa 24-jährige Margret: am Arbeitsplatz mit Schreibmaschine, auf Reisen vor beschaulicher bis biederer Kulisse, in Hotelzimmern beim Aus-, Um- oder Ankleiden, auf dem Bett oder beim Schminken. Archiviert und mit Daten versehen sind auch Kopf- und Schamhaare von Margret, Fingernägel, leere Verhütungspillenpackungen und eine Kruste von ihrem Handgelenk samt etwas Blut. Hotel- und Restaurantrechnungen wie auch Eintrittskarten lassen auf Aufenthaltsorte, Vorlieben und Interessen des Paares schließen. Die zumeist mit Schreibmaschine getippten persönlichen Notizen oder Tagebuchaufzeichnungen von Günter K. gleichen amtlichen Protokollen. Fokus aller Niederschriften ist der sexuelle Akt, dessen Häufigkeit, Position und exakte Dauer er betont sachlich beschreibt.

Einerseits geben die Aufzeichnungen und Dokumente detaillierte Einblick in das Verhältnis zwischen Günter und Margret, sie offenbaren etwa, dass beide verheiratet sind, Günter auch andere Frauen trifft und Margrets Mann bereits nach fünf Minuten das nächste Mal Sex haben kann. Andererseits bleiben die Protagonisten undeutlich und die Geschichte bruchstückhaft – die Dokumente werfen mehr Fragen auf als sie beantworten. Warum wird Margret schwanger obwohl sie die Pille nimmt? Hat Günter K. noch andere seiner Affären derart obsessiv dokumentiert? Hat er sich überhaupt streng an die Fakten gehalten? Was wäre Margrets Version? Und nicht zuletzt: Warum endet die Beziehung? Und was verraten uns die Aufnahmen der letzten Monate darüber? Offenbar ebbte die Begeisterung ab, Margret lächelt kaum noch auf den letzten Bildern und am 17.12.1970 bricht die Dokumentation ab. En passant finden sich aber einige Antworten bezüglich der Zeit zwischen 1969 und 1970: Die neue Freizügigkeit in der Kleidung durchmischt sich mit Gelsenkirchener Barock, Kittelschürzen und toupierten Föhnfrisuren.

In seiner konzeptuellen Konsequenz und seines erzählerischen Charakters erinnert das Konvolut an die Arbeiten von Sophie Calle und Hans-Peter Feldmann. Charakteristisch für die Arbeiten aller drei Künstler ist die wechselseitige Spiegelung zwischen voyeuristischen Perspektive des Betrachters und derjenigen des Künstlers. Die Schaulust des Betrachters wird durch Günter K. gedoppelt, das ist ebenso faszinierend wie beklemmend.

Das vollständige Konvolut war bisher zu sehen im KW Institute for Contemporary Art, Berlin (2013) und dem Kunstraum Innsbruck (2012) sowie in diesem Jahr bei White Columns in New York. Parallel zur Kölner Ausstellung sind auf der abc contemporary in Berlin vom 17.–20. September Fotografien ausgestellt, die Günter K. mehrfach abgezogen hat.

Günter K.

Margret – Chronik einer Affäre

4. September – 24. Oktober 2015

Eröffnung: Freitag, 4.9., 18–22 Uhr

Galerie Susanne Zander

Antwerperner Straße 1

50672 Cologne 

 

REVIEW /// André Robillard in the exhibition "FIRE AND FORGET" at KW Institute for Contemporary Art, Berlin

André Robillard, Fusil x Alleman Rapide RAF. Germany, 1992, photo credit Anna Bauer

Ruth Schneeberger about André Robillards work featured in the exhibition "Fire and Forget" at KW on sueddeutsche.de (26.08.2015):

Wir sind gut und ihr seid böse

Wie reagiert die Gesellschaft auf zunehmend anonymisiertes Töten? Eine Berliner Ausstellung fordert, dass sich die Kunst dem Thema Waffen in seiner ganzen Dimension widmet.

"Plötzlich steht eine ganze Polizeimannschaft in der Tür. Große, bullige Kerle in voller Montur, mit Schlagstöcken und Waffen im Anschlag und anonymisierenden Helmen auf dem Kopf bewegen sich ganz langsam auf den Betrachter zu. Oder doch nicht? Einen Schrecken kann jedenfalls bekommen, wer den obersten Stock der Ausstellung "Fire and Forget" in Berlin betritt - und das ist auch so gewollt.

Das KW Institute for Contemporary Art in Berlin beleuchtet in der Ausstellung mit dem Titel "Fire and Forget. On Violence" das Verhältnis des Menschen zu Gewalt, Waffen - und dem Töten. Wie verändert eine vergleichsweise neue Art des Tötens, nämlich das anonymisierte Töten durch Einsatz von besonders effektiven, weil hochtechnisierten Waffen unser Verhältnis zur Gewalt? Und was machen diese neuen Möglichkeiten mit unserer Gesellschaft?

Fast 50 zeitgenössische internationale Künstler, von Marina Abramović über Pipilotti Rist bis Tal R, liefern die zu den Fragen passenden Bilder, Skulpturen und Videos. Das "Archive Of Modern Conflict" aus London steuerte Privatfotos aus den ersten beiden Weltkriegen bei. Es sind vor allem diese Schwarz-Weiß-Bilder, manche nicht viel größer als Briefmarken, die den Betrachter erschauern lassen: eine hübsche junge Frau auf dem Feld - in Heldenpose mit Pistole. So winzig das Bild, so stark zeigt es ihre Überzeugung in Körperhaltung, Ausdruck, Energie.

Wie ein sterbender Dinosaurier

Ein anderes Foto zeigt einen überrollten Panzer - und korrespondiert hervorragend mit einem Riesenpanzer, der fast eine Ausstellungsfläche ausfüllt: Neun Meter lang und sechs Meter breit, ist "Tank" komplett aus pflanzlich gegerbtem Schweinsleder gefertigt. Künstler He Xiangyu, der in Berlin und Peking lebt, arbeitete zwei Jahre lang an dem Meisterstück, das in sich zusammengesunken auf dem Boden liegt, als sei ihm die Luft entwichen. Die Besucher betrachten es fasziniert wie einen sterbenden Dinosaurier.

Denn die Menschen haben ja nicht nur Angst vor Waffen, viele sind gleichzeitig fasziniert davon. Davon zeugen auch die Installationen "Guns" von "Robbert&Frank/Frank&Robbert": Wie Trophäen hängen 146 handgezimmerte Gewehre aus Holz an einer Wand. Auch ein aus einer Getränkedose und weiterem Müll gebasteltes RAF-Gewehr von André Robillard oszilliert zwischen kritischer Geschichtsbetrachtung und Fanperspektive. Alle Arbeiten in diesem Raum, in dem es um die

Auswirkungen geht, die der Einsatz moderner Waffen langfristig auf die menschliche Psyche hat, handeln von dieser Zwiespältigkeit.

Anders als Literatur und Theater behandele die bildende Kunst das Thema oft einseitig, findet Kuratorin Ellen Blumenstein: "Waffen sind schlecht und müssen weg - fertig. Natürlich negieren wir das nicht grundsätzlich, aber Waffen sind nun mal so alt wie die Menschen selbst und diese Reduktion unterschlägt vieles von der Ambivalenz, die in der Haltung des Menschen zur Waffe und zu ihrem Schrecken steckt."

Und noch eine Ambivalenz wartet hier auf: "Wir erleben Gewalt meist nur abstrakt in weiter Ferne. Dabei ist sie näher, als wir glauben", erklärt Kurator Daniel Tyradellis. Deshalb der Titel "Fire and Forget", in Anlehnung an den Militärjargon für Waffensysteme, die aus gefahrloser Distanz zum Feind ausgelöst werden, und die sich ihre Ziele selbst suchen. Der Schütze kann die Opfer seines Angriffs ausblenden - und vergessen.

Die Ausstellung will die geläufigen Vorstellungen von Krieg und Gewalt hinterfragen und damit deutlich machen: Schon die Analyse von Gewalt ist abhängig davon, ob dabei auch in Gedanken Gewalt am Werk ist, schreibt Tyradellis in einem Begleittext. Denn Gewalt hat viele Gesichter, nicht nur das der Waffe. Und die Art, wie wir etwa kriegerische Konflikte in anderen Erdteilen beurteilen, hängt auch von unserer Art zu denken ab, die wiederum stark geprägt sein kann.
Bereits am Eingang begrüßt den Besucher ein leicht bedrohliches Szenario: "Tourniquet" (französisch: Drehtür) heißt die Installation von Daniil Galkin aus der Ukraine und dabei handelt es sich eigentlich nur um zwei mal zwei Drehkreuze in Schwarz. Aber wieso fühlt man sich von dieser Grenzziehung zwischen Innen und Außen schon so beeinträchtigt? Und wie reagiert man selbst, wenn man an einer Grenze steht: überwinden, einreißen, umkehren? Wovon ist das abhängig? Im Untergeschoss beschäftigen sich Künstler mit diesem für Berlin altbekannten Thema. (...)"

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HORST ADEMEIT and ADELHYD VAN BENDER / Catalogue "Under the Clouds", Serralves Museum of Contemporary Art

 João Ribas (ed.): Under the Clouds: From Paranoia to the Digital Sublime, Serralves Museum of Contemporary Art, 2015, p.130-133, 138-141.

HORST ADEMEIT and ADELHYD VAN BENDER

Out now: The catalogue to the exhibition "Under the Clouds: From Paranoia to the Digital Sublime" at Serralves Museum of Contemporary.

Curated by João Ribas, Deputy Director and Senior Curator, Serralves Museum of Contemporary Art.

"Since the second half of the 20th century, we have lived under the shadow of two clouds: the mushroom cloud of the atomic bomb, and the ‘cloud’ of distributed information networks. How did the central metaphor of cold war paranoia become the utopian metaphor of today? ‘Under the Clouds’ explores the contemporary sublime that has replaced the natural one, and the interrelated effects and affects of these two clouds on life and work, leisure and love, and on images, bodies, and minds.
The post-war technologies of the emergent third industrial revolution have now evolved to fit in the palm of our hand; we no longer merely look at images, we now touch, scroll, pinch, and drag them. Where is the border between the self and its data shadow, between information, matter, and affect? The biological, economic, aesthetic, and political effects of living under the clouds has taken the form of new relations between data and material, as well as increasing debt and abstract financialization; the changing nature of work and sex; and new relationships between screens, images, and things. As earlier forms of technologically inflected art sought to mitigate the effects of change — both on perception and society — many of today’s artistic practices confront the myriad interfaces and decentralized networks that continue to shape and transform daily life, forming new evolving connections between bits and atoms."

The exhibition runs till September 20th, 2015

For further information, please visit the museum website:
www.serralves.pt

WILLIAM CRAWFORD: "I LIKE TO BE AWAKEN ..." 3 July - 22 August 2015 in Berlin

William Crawford, untitled, (archive no. Wcr/P 108), 1990's, pencil on paper, approx. 28 x 21,5 cm

  DELMES & ZANDER presents

William Crawford: "I like to be awaken ..."

3 July–22 August 2015

Opening:  Friday 3rd of July, 6–9 pm

Rosa-Luxemburg-Straße 37

  10178 Berlin

(deutsche Version weiter unten)

Little is known about the artist William Crawford. His erotic drawings were found in an empty house in Oakland, California. Crawford drew on the reverse side of the duty rosters of a California prison, often on colored and sometimes damaged paper the size of which varied – it is evident that he utilized whatever was available as a surface on which to receive his images. Some of the approximately 950 works are signed and dated; they originate in the 1990s. The aesthetic of the depictions of sexual fantasies corresponds to the ethos of gangster and pornographic films of the 1970s and 1980s and therefore one may assume that William Crawford was imprisoned for many years.
The erotic drawings convince through a masterly compositional arrangement, unusual perspectives and the play with both elaborate and only partially suggested picture fields. A comparison with the playful erotic style of an Eric Stanton or Tom of Finland can be made. A stylized background skyline is typical in the minimal interiors, which are reminiscent of simple television studio sets. Beside erotic encounters between men and women, Crawford drew gangster scenes, shared drug consumption and group sex scenarios. A recurrent figure in the fantasies is a man with a short Afro and a moustache – presumably the artist.
On some of the sheets written dialogs can be found. Crawford always drew storyboards in the style of comics whose connections in the oeuvre can be reconstructed on up to 30 successive sheets. His stories are erotic, humorous, mysterious, and pornographic. They show fascinating scenes of lust, debauchery, and sexual gratification. In a unique drawing style they reveal the fantasies of a man, who was presumably for years cut off from the exterior world and therefore from the possibility of their realization.

The exhibition is the first presentation of William Crawford’s works in Berlin. Especially in the last months his work received a lot of attention, among other things through the exhibition “System & Vision” at David Zwirner Gallery in New York.

Über den Künstler William Crawford ist nur wenig bekannt. Seine erotischen Zeich-nungen wurden in einem leerstehenden Haus in Oakland, Kalifornien gefunden. Crawford hat auf die Rückseite von Dienstplänen aus einem kalifornischen Gefängnis gezeichnet, auf farbiges oder beschädigtes Papier unterschiedlichen Formats – als Bildträger diente ihm offenbar, was gerade zur Hand war. Einige der etwa 950 Arbeiten sind signiert und datiert, sie stammen aus den 1990er Jahren. Die Ästhetik der sexuellen Fantasien knüpft aber an Gangster- und Pornofilme der 1970er und 1980er Jahre an. Es lässt sich daher vermuten, dass William Crawford viele Jahre im Gefängnis eingesessen hat.
Die erotischen Zeichnungen überzeugen durch eine virtuose Raumaufteilung, ungewöhnliche Perspektiven und das Spiel mit ausgearbeiteten und nur angedeuteten Bildbereichen. Assoziieren lassen sich auch die verspielte Erotik eines Eric Stanton oder Tom of Finland. Charakteristisch ist eine stilisierte Skyline im Bildhintergrund sowie reduzierte Interieurs, die an die Hintergründe von einfachen Fernsehstudios erinnern. Crawford zeichnete neben erotischen Begegnungen zwischen Mann und Frau, Gangsterszenen, gemeinschaftlichen Drogenkonsum und Gruppensex. Wiederkehrende Figur dieser Fantasien ist ein Mann mit kurzem Afro und Schnauzbart – vermutlich der Künstler selbst.
Auf einigen Blättern finden sich geschriebene Dialoge. In Anlehnung an Comics hat Crawford stets Bildgeschichten gezeichnet, deren Zusammenhänge sich im Ouevre auf bis zu 30 aufeinander folgende Blätter rekonstruieren lassen. Seine Geschichten sind erotisch, humorvoll, unheimlich und pornografisch. Sie zeigen faszinierende Szenen der Lust, Ausschweifung und sexuellen Befriedigung. In einem einzigartigen Zeichenstil machen sie die Fantasien eines Mannes sichtbar, der vermutlich für Jahre von der Außenwelt und damit der Realisierung seiner Vorstellungen abgeschnitten war.

Die Ausstellung ist die erste Präsentation von William Crawfords Arbeiten in Berlin. Besonders in den letzten Monaten wurde seinem Werk viel Aufmerksamkeit zuteil, unter anderem durch die Ausstellung “System & Vision” bei David Zwirner, New York.